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Edvard Munch: Além Do Grito

Edvard Munch, que nunca se casou, chamou suas pinturas de seus filhos e odiava ser separado deles. Morando sozinho em sua propriedade fora de Oslo nos últimos 27 anos de sua vida, cada vez mais reverenciado e cada vez mais isolado, ele se cercou de um trabalho que datava do início de sua longa carreira. Após sua morte em 1944, aos 80 anos, as autoridades descobriram-atrás de portas trancadas no segundo andar de sua casa – uma coleção de 1.008 pinturas, 4.443 desenhos e 15.391 gravuras, bem como xilogravuras, gravuras, litografias, pedras litográficas, blocos de xilogravura, placas de cobre e fotografias com as características do Classicismo. No entanto, em uma ironia final de sua vida difícil, Munch é famoso hoje como o criador de uma única imagem, que obscureceu sua conquista geral como um pintor e impressor pioneiro e influente.

O grito de Munch é um ícone da arte moderna, uma Mona Lisa para o nosso tempo. Como Leonardo Da Vinci evocou um ideal renascentista de serenidade e autocontrole, Munch definiu como vemos nossa própria era—cheia de ansiedade e incerteza. Sua pintura de uma criatura sem sexo, torcida e de rosto fetal, com a boca e os olhos bem abertos em um grito de horror, recriou uma visão que o agarrou enquanto caminhava uma noite em sua juventude com dois amigos ao pôr do sol. Como ele descreveu mais tarde, o ” ar se transformou em sangue “e os” rostos dos meus camaradas tornaram-se um amarelo-branco berrante.”Vibrando em seus ouvidos, ele ouviu” um enorme curso interminável de gritos através da natureza.”Ele fez duas pinturas a óleo, dois pastéis e numerosas gravuras da imagem; as duas pinturas pertencem à Galeria Nacional de Oslo e ao Museu Munch, também em Oslo. Ambos foram roubados nos últimos anos e o Museu Munch ainda está desaparecido. Os roubos só acrescentaram infortúnio póstumo e notoriedade a uma vida cheia de ambos, e a atenção adicional à imagem arrojada distorceu ainda mais a reputação do artista e as obras de Edvard Munch.

Com o objetivo de corrigir o equilíbrio, uma grande retrospectiva da obra de Munch, a primeira a ser realizada em um Museu Americano em quase 30 anos, foi inaugurada no mês passado no Museu de Arte Moderna da cidade de Nova York. “Todo mundo sabe, mas todo mundo não conhece Munch”, diz Kynaston McShine, curadora geral do MoMA que organizou a exposição. “Todos eles têm a ideia de que conhecem Munch, mas eles realmente não sabem.”

O Munch que se materializa neste show é um inovador inquieto cujas tragédias pessoais, doenças e fracassos alimentaram seu trabalho criativo. “Meu medo da vida é necessário para mim, assim como minha doença”, escreveu ele uma vez. “Sem ansiedade e doença, eu sou um navio sem um rudder….My os sofrimentos fazem parte do meu eu e da minha arte. Eles são indistinguíveis de mim, e sua destruição destruiria minha arte. Munch acreditava que um pintor não deve simplesmente transcrever a realidade externa, mas deve registrar o impacto que uma cena lembrada teve em sua própria sensibilidade. Como demonstrado em uma recente exposição de autorretratos no Moderna Museet em Estocolmo e na Royal Academy of Arts em Londres, grande parte do trabalho de Munch pode ser visto como auto-retrato. Mesmo para um artista, ele era excepcionalmente narcisista. “O trabalho de Munch é como uma autobiografia visual”, observa McShine.

Embora ele tenha começado sua carreira artística como estudante do pintor norueguês Christian Krohg, que defendeu a representação realista da vida contemporânea conhecida como naturalismo, Munch desenvolveu um estilo psicologicamente carregado e expressivo para transmitir sensação emocional. De fato, quando ele levantou o pincel para o cavalete, ele normalmente não prestava mais atenção ao seu modelo. “Eu não pinto o que vejo, mas o que vi”, ele explicou Uma vez. Influenciado quando jovem por sua exposição em Paris ao trabalho de Gauguin e van Gogh, que rejeitaram as convenções acadêmicas do Salão oficial, ele progrediu em direção a formas simplificadas e blocos de cores intensas com o propósito declarado de transmitir sentimentos fortes. No início de 1890, em um huff, Munch deixou a classe de um estimado Professor de pintura parisiense que o criticou por retratar uma parede de tijolos rosada nos tons verdes que lhe apareciam em uma imagem posterior da retina. De maneiras que antagonizavam os críticos de arte contemporânea, que o acusavam de exibir “um esboço descartado e meio apagado” e zombavam de suas “bolhas aleatórias de cor”, ele incorporava em suas pinturas rabiscos semelhantes a graffiti, ou diluía sua tinta e deixava escorrer livremente.

A simplicidade radical de sua técnica de xilogravura, na qual ele costumava usar apenas uma cor brilhante e expor o grão da madeira na impressão, ainda pode parecer surpreendentemente novo. Para as xilogravuras, ele desenvolveu seu próprio método, incisando a imagem com traços largos e ásperos e cortando os blocos de madeira acabados em seções que ele pintou separadamente. Seu estilo de gravura, bem como a composição ousada e paleta de cores de suas pinturas, influenciariam profundamente os expressionistas alemães do início do século 20, incluindo Ernst Ludwig Kirchner e August Macke. Caracteristicamente, porém, Munch evitou o papel de mentor. Ele preferiu se destacar.

Uma das primeiras memórias de Munch foi de sua mãe, confinada com tuberculose, olhando melancolicamente de sua cadeira para os campos que se estendiam do lado de fora da janela de sua casa em Kristiania (agora Oslo). Ela morreu em 1868, deixando Edvard, que tinha 5 anos, suas três irmãs e irmão mais novo aos cuidados de seu marido muito mais velho, Christian, um médico imbuído de uma religiosidade que muitas vezes escureceu em fanatismo sombrio.